RE:VOIR

Tourné pendant cinq mois entre 1987 et 1988 du nord au sud de la Côte Est, Route One / USA (1989) compose une grande coupe géographique à un moment précis de l’histoire des Etats-Unis, et une balade mélancolique au fil d’un pays que Robert Kramer l’Américain n’avais jamais autant regardé. Accompagné de son alter-ego de fiction, Doc, le docteur, le cinéaste observe les êtres et les paysages avec l’inquiétude bienveillante d’un médecin voyageur. Route One / USA est aussi la rencontre somptueuse, au rythme de la musique de Barre Philips, entre un dispositif de tournage que Kramer avait esquissé quelques semaines auparavant dans le méconnu X-Country (1987) et un art du montage dont il donnera l’année suivante un concentré fulgurant avec la vidéo-lettre Dear Doc (1990).

« On pourrait démêler sans fin ce maillage si serré de signes et d’échos, que chaque vision du film peut encore enrichir. C’est que le travail formel d’Hanoun sur le fragment et le plan-flash, parfois presque subliminal, sur la variation et la répétition du (presque) même, qui concerne autant les postures que les dialogues (très souvent répétés, dans le même plan ou sous un axe différent), ce travail met au jour quelque chose de l’intériorité du film, de l’inconscient de sa création qui devient celui de ses figures. L’aspect gigogne ne doit pas tromper, c’est presque le contraire d’une distanciation qui au final s’opère. Plus Hanoun compresse les uns dans les autres des rêves de rêves (de films), plus il touche à l’intime. » - Emeric de Lastens

« … »Qui crée ? et pour qui ? » Ce qui importe est que Hanoun ne répond pas à ces questions de façon grandiloquente. Au contraire, loin de montrer une série d’actes tranchants, son regard s’arrête sur les temps morts de la vie de sa jeune et belle protagoniste. On joue avec les fragments et la mise en scène, le recadrage, l’utilisation des cadres (portes, fenêtres, le miroir comme tableau vivant) et tout cela nous place en face d’une sorte de catalogue d’actes répétitifs, où le drame ou le développement du personnage sont absents. Ces moments marqués par la banalité pure permettent finalement au véritable sujet du film de couler par les interstices du récit… toute une série de scènes, de séquences, d’images que n’importe quel autre réalisateur aurait coupées, supprimées, enlevées, pui

LE PRINTEMPS (35 mm, b&w and color/n&b et couleur, 78 min, 1970) With/Avec: Michael Lonsdale, Raymonde Godeau, Véronique Andriès, Catherine Binet, Anne-Marie Ramier

« Le cinéma, dont la raison d’être est le mouvement, ‘L’Automne’ en fait un art de l’immobile. De l’anticinéma aux yeux de ceux pour qui le cinéma c’est la bagarre, la poursuite de voitures ou la cavalcade de western. Du cinéma autre pour qui sait voir que l’immobilité de ‘L’Automne’ est fausse immobilité. Ces visages en gros plan vivent avec intensité. L’intensité de leur regard. Nul doute : ces deux paires d’yeux-là savent voir. Nous le voyons. Nous lisons même dans ces deux regards que nous en sommes, de la vie d’un film, au moment le plus passionnant, pour les créateurs : celui où, pour la dernière fois, toutes les questions peuvent encore se poser. » - Jean Louis Bory, Le Nouvel Observateur

À partir de 1975 et de la révolution des Oeillets, Robert Kramer noue avec le Portugal un puissant lien politique et cinématographique qui s’exprime notamment à travers quatre oeuvres successives : « With Freedom in Their Eyes » (1976), un livre de photographies prises en Angola au moment où le pays se libère du colon portugais et tombe dans la guerre civile

Après la fresque politique composée par ses films américains et achevée avec Milestones (1975), puis un documentaire sur la révolution des Oeillets, Scenes from the Class Stuggle in Portugal (1977), Robert Kramer s’installe en France. Il y poursuit son oeuvre avec Guns, long métrage labyrinthique en écho aux fictions paranoïaques hollywoodiennes des années 70, et qui continue son exploration de la psyché militante tout en expérimentant sur la narration.

'Un homme et une femme aux noms bibliques (Elie et Jean-Baptiste) joués par deux acteurs bressoniens (Anne Wiazemsky et Thierry de Maublanc). Ou la rencontre de l'électrochoc et de l'overdose sous les toits de Paris. Entre eux, le secret mal gardé d'un enfant: Swan, Swan-le-cygne, signe de vie, de suivie à deux enfants d'enfants. Swan ets un peu de pellicule tremblée'
- Serge Daney, La guérison sévère, extrait du livret.

'[Le Révélateur fait allusion à la fois au processus chimique de la photographie par lequel l'image est révélée (« développer » en français) et, plus discrètement, au rôle déictique du jeune garçon, à l'instar de celui de saint Jean-Baptiste. Le film évoque l'iconographie chrétienne, et dans un plan particulièrement frappant, on voit Lafont agenouillée sur le sol, « crucifiée », tandis que son fils l'embrasse. Dans une autre scène, Garrel rejoue la Fuite d'Égypte : là, sur la route, on voit Terzieff et Lafont, avec leur enfant. Mais à la fin du film, le garçon est au bord d'un lac, tout seul. C'est un plan préfigurant la fin du Lit de la Vierge. Comme le Christ de Pierre Clementi, comme Garrel lui-même, l'enfant se dirige vers son destin.'
- Sally Shafto

Un combat de rue, un songe opiacé, une histoire d'amour, des haines féroces : par la seule addition de ces éléments, on obtient une quelconque jeunesse. Mais il y eut un temps où ils se sont associés en une alchimie unique et mués en une aventure vertigineuse. Les Amants réguliers, de Philippe Garrel, revient sur ce moment, Mai 68, pour en faire un film qui dure et s'envole, doux et cruel, poétique et romanesque.
– Thomas Sotinel, Le Monde

Pour Philippe Garrel rien n'existe que l'image, la beauté de l'image, le mouvement intérieur de l'image : un art qui nous ramène au grand rêve du film muet, capable de conjuguer les vertus de la musique et de la peinture, tout dans la jouissance, dans le plaisir secret. Les acteurs sont quatre, deux hommes (Lou Castel et Jacques Bonnaffé) et deux femmes (Anne Wiazemsky et Mireille Perrier), plus deux (les cinéastes Chantal Akerman et Jacques Doillon), plus les absents, l'histoire du cinéma hier et aujourd'hui (Andy Warhol, Jean Eustache, Jean-Luc Godard expressément cités, mais aussi Dreyer, Bresson, tous les autres depuis Méliès).
-Louis Marcorelles, Le Monde

Après '' Le Révélateur '', '' Le Lit de la Vierge '' et '' Les Hautes solitudes '', nous sommes heureux de vous proposer une édition inédite du premier long-métrage de Philippe Garrel : '' Marie pour mémoire ''. Un retour à l'enfance, au geste primitif du cinéaste, à ses années adolescentes de cris et révoltes, mutismes et retraits. Cette édition comporte également son premier court-métrage, réalisé à 16 ans en 3 jours avec les chutes de pellicules d'un sketch de Claude Berri, sur lequel il était stagiaire. Enfin, il y a le fameux '' Actua I ''. Film d'actualité révolutionnaire - subventionné par Jean-Luc Godard - sur le mois des barricades de 68, il fut recherché durant 47 ans, pour être finalement retrouvé dans les archives films de JLG.