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Les étrangers le savent mieux que les Français : Paris offre une quantité, une diversité et une qualité d’accès au cinéma sans égal dans le monde – sans même rien d’approchant où que ce soit. Dans cette ville, le cinéma possède un statut particulier, il y est plus vénéré que partout ailleurs.
C’est dans les salles obscures qu’a lieu la véritable rencontre entre les spectateurs et les films. Paris, qui compte près de 90 cinémas et 400 écrans, est une terre d’accueil unique pour la diffusion d’oeuvres originales, comme en témoignent les réalisateurs du monde entier qui ont souhaité apporter de courtes contributions à cet ouvrage.

Tapis rouge, montée des marches, Palme d’Or : du festival de Cannes, le monde connaît la légende qui, chaque année, fait converger vers cette petite station balnéaire sans charme de la Côte d’Azur le gotha du 7e art.
En soixante-dix ans, le festival a imposé ses codes au cinéma mondial et s’est mué en un véritable système. Dérives financières, affaires de drogues, scandales sexuels, fêtes somptuaires, secrets d’alcôve : rien ne semble pouvoir égratigner le symbole. Son principe, « tout ce qui se passe à Cannes reste à Cannes », n’est pas une vaine expression.
C’est la réalité derrière les paillettes que Xavier Monnier explore dans ce livre.

Le photographe ​Simon Edelstein parcourt le monde sur les traces des cinémas abandonnés aux USA, en France, en Italie, en Inde, au Maroc, à Cuba… Il s’est rendu dans plus de trente pays, patrouillant les quartiers lointains de nombreuses villes pour retrouver sur les façades usées par le temps et l’oubli les stigmates des splendeurs

Tron, Resident Evil, Doom, Pixels, Double Dragon, Super Mario Bros. ou plus récemment Tomb Raider, Monster Hunter et Mortal Kombat : ces quelques oeuvres ont créé des ponts entre deux mondes, deux imaginaires, deux publics se partageant la planète Geek.

Gaming Goes to Hollywood est appelé à devenir LA bible de références des adaptations de jeux vidéo au cinéma !

In recent years, the television landscape has seen the glorious rise of women to key positions of power within the industry, from writers to producers to directors. Successes like Shonda Rhimes’s Holy Trinity of shows as a producer—Grey’s Anatomy, Scandal, How to Get Away with Murder—and critical darlings like Lena Dunham’s Girls, Jill Soloway’s Transparent and Jenji Kohan’s Orange Is the New Black have heralded a revolution and inspired women creators to put their smartest and boldest art onto screens everywhere.

Over the past year the success of British films at international film festivals – as well as the numerous awards bestowed on 12 Years a Slave – have demonstrated that British cinema has undergone a genuine renaissance that has caused new voices to emerge. At the same time, directors whose work have enthralled over the past five years have also continued to develop and expand their visions.

In Directing Herbert White James Franco writes about making a film of Frank Bidart’s poem, Herbert White. Though the main character, Herbert White, is a necrophiliac and a killer, the poem – and the film – are an expression of life’s isolation and loneliness. A poem became a film.

In the rest of book, Franco uses poems to express what he feels about film: about acting; about the actors he admires – James Dean, Marlon Brando, Sean Penn; about the cult of celebrity and his struggles with it; about his teenage years in Palo Alto, and about mortality prompted by the death of his father.

Stan Laurel and Oliver Hardy both passed away in the 1950s, yet their films still have the power to reduce audiences old and new to helpless laughter. There has been no comprehensive account of their lives and work, until now. The roots of their comic greatness lay in 19th century variety theatre. Lancashire-born Stan Laurel was steeped in the traditions of the music hall, and found himself touring the USA in the 1910s as Charlie Chaplin’s understudy. American Oliver Hardy had established himself as a ‘fat funny man’ by the time he and Laurel were first paired in 1927.