Études Cinématographiques

POLITIQUES DU REGARD

Paradoxe fondateur : dès l’origine, l’invention des frères Lumière manifeste ses pouvoirs de rencontre et de compréhension entre des êtres différents, partout dans le monde, et mobilise dans le même temps des rapports d’exclusion et de domination, sous le signe des inégalités sociales, du racisme et du machisme. Plus d’un siècle après, ces puissances de rencontre et de découverte comme ces enjeux de discrimination et d’oppression se sont reconfigurés et ont été activés aussi dans de nombreux autres domaines. La question du rapport au divers est plus que jamais au cœur des pratiques et des effets du cinéma.

La comédie au cinéma n’a pas vocation qu’à faire rire elle est aussi un subtil moyen d’exprimer des idées subversives. Car la censure baisse souvent la garde devant la comédie, qui peut se permettre d’attaquer tabous et interdits beaucoup plus efficacement. Cela nécessite un fin dosage: être suffisamment choquant pour provoquer rire et réflexion critique, mais ne pas l’être trop, pour ne pas susciter rejet ou censure. Le tout dicté par un impératif économique: les producteurs ont toujours voulu éviter que les films n’affichent trop ostensiblement un message, pour ne pas risquer de déplaire. La comédie est d’autant plus facilement acceptée qu’elle semble correspondre à l’idée que l’on se fait du cinéma: Divertissement. Il est ainsi paradoxalement plus facile d’y glisser des idées critiques.

La Sociologie filmique propose une exploration des ressources intellectuelles offertes par l’hybridation de la sociologie et du cinéma : pratiquer la sociologie, ou d’autres sciences humaines, par l’image et le son. À l’ère de l’image, cet essai invite aux recherches sociologiques, non seulement par la maîtrise de la démarche de la discipline, mais aussi par l’apprentissage conjoint des techniques (prises de vues et de sons, dérushage, montage, etc.) et de l’écriture cinématographiques. La sociologie filmique participe ainsi à la reconnaissance du sensible et du point de vue situé, dans une discipline qui les a souvent tenus à l’écart.

Five-time Oscar nominee and BAFTA winner, the only British director to have won the top prize at both Cannes (for Secrets & Lies) and Venice (for Vera Drake) – Mike Leigh is unquestionably one of world cinema’s
pre-eminent figures. Now, in this definitive career-length interview, he reflects on all that has gone into the making of his unique body of work.

‘Fascinating . . . filled with lively historical digressions.’ New York Times ‘Best True Crime of 2022’

In 1888 Louis Le Prince shot the world’s first motion picture in Leeds, England.

In 1890, weeks before the public unveiling of his camera and projector – a year before Thomas Edison announced that the had invented a motion picture camera – Le Prince stepped on a train in France – and disappeared without a trace. He was never seen or heard from again. No body was ever found.

Le Prince’s family were convinced Edison had stolen Louis’s work, and so they sued the most famous inventor in the world. By the time the lawsuit was over, Le Prince’s own son was dead under suspicious circumstances – and modern Hollywood was being born.

This edition of Herzog on Herzog presents a completely new set of interviews in which Werner Herzog discusses his career from its very beginnings to his most recent productions.

Herzog was once hailed by Francois Truffaut as the most important director alive. Famous for his frequent collaborations with mercurial actor Klaus Kinski – including the epics Aguirre, the Wrath of God and Fitzcarraldo, and the terrifying Nosferatu – and more recently with documentaries such as Grizzly Man, Cave of Forgotten Dreams and Into the Abyss, Herzog has built a body of work that is one of the most vital in post-war German cinema.

Over the past year the success of British films at international film festivals – as well as the numerous awards bestowed on 12 Years a Slave – have demonstrated that British cinema has undergone a genuine renaissance that has caused new voices to emerge. At the same time, directors whose work have enthralled over the past five years have also continued to develop and expand their visions.

C’est l’épopée d’un genre qui a révolutionné l’esthétique hollywoodienne que raconte ici Jean-Pierre Esquenazi. Faire l’histoire du film noir, c’est examiner la vie d’une communauté d’intellectuels venus d’Europe ou de New York à Hollywood dans les années 1930. Le genre naît comme une sorte d’accident industriel à la fin de la Seconde Guerre mondiale, sous le signe du défi à la censure des studios, obtenant de grands succès avant de subir de plein fouet le maccarthysme. D’une lucidité amère, le film noir transforme les durs à cuire hollywoodiens en ratés effrayés et fascinés par des femmes fatales rebelles, et métamorphose les grandes métropoles en de gigantesques labyrinthes semblables aux châteaux hantés du gothique.